继续胫骨的帖子----《余震》 英国当代艺术展 (作品介绍)

辰昱姚

<table cellspacing="0" cellpadding="0" width="580" align="center" border="0"><tbody><tr><td align="center"><h1 class="text"><strong>Jake &amp; Dinos Chapman 查普曼兄弟</strong></h1></td></tr><tr><td class="list"><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"></div><p style="TEXT-INDENT: 2em;">Jake Chapman(杰克•查普曼，生于1966) 和Dinos Chapman (迪诺斯•查普曼，生于1962) 分别出生在切尔藤纳姆和伦敦，从1990年同时毕业于皇家艺术学院以后，他们就开始合作创作，如今生活和工作在伦敦。<br/></p><p>　　查普曼兄弟深深的着迷于这个俗世，他们用作品来探索着恐惧残酷的道德边境，和罪恶感。在1996年伦敦，“查普曼世界”展览在当代艺术学会引起了争议，一部分被命名为“悲惨的解剖”的作品，用怪诞的手法对儿童造型的模型进行变形。这些作品的核心其实就是一种俗套的潜在含义―将低下阶层的粗言秽语的内容转化成具体的身体形象。这样的表达方式就是英国现代艺术的典型特征。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" height="550" alt="" hspace="0" src="http://arts.tom.com/img/assets/200611/061116151701yzydz4.jpg" width="417" border="0"/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">Ubermensch《超级人物》 1995</div><br/><p>　　查普曼兄弟经常成为受争议的人物。在Ubermensch《超级人物》(1995年)，一座雕塑展现Stephen Hawking(斯蒂芬•霍金)—英国著名的物理学家和数学家—坐着轮椅在悬崖顶上摇摇欲坠的情形。在这里，霍金的形象被丑化了，尽管他有着‘超人类’的智慧和崇高，但他那不稳定的配件正在支撑着他那孱弱的身体。不去理会科学家的表率作用，比如“无边界条件”这个理论，或者是宇宙是有限的但是在假想的时间里没有边界这样的想法，我们都被他那有限的生命所提醒。</p></td></tr></tbody></table><table cellspacing="0" cellpadding="0" width="580" align="center" border="0"><tbody><tr><td align="center"><h1 class="text"><strong>Douglas Gordon 道格拉斯·戈登</strong></h1></td></tr><tr><td class="list"><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"></div><p style="TEXT-INDENT: 2em;">道格拉斯·戈登1966年出生在苏格兰格拉斯哥，1988年到90年就读于伦敦史莱德艺术学校。他于1996年获得英国当代艺术大奖特纳奖，1997年获得威尼斯双年展the Premio2000奖。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" alt="" hspace="0" src="http://arts.tom.com/images/piclib/2006111701/image08.jpg" border="0"/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">Croque Mort《验尸人》2000</div><br/><p>　　戈登的作品探讨的主题具有一种超然性，他尤其关注伦理两分的问题，比如宗教和信仰，善良与邪恶，无罪与犯罪，生命和死亡。“Croque Mort”(2000)片中他拍摄了他新生的女儿。循环作为戈登的另一个持续爱好也不断出现在他的作品中，这个七张照片的作品系列提供了一个庞大有力的自我容纳的视觉装置。这个作品装置在一间全是红色的房间里，就像一个铺满红地毯的电影院，或者说像一个子宫的内部。一个“croque mort”，即法文里的验尸人，是传说中才会有的人物，他们会咬刚逝世的已故者的脚，以检查他们是否成功的死去了，因此得名为“咬死人的人”。在这个系列里，戈登的女儿有趣地咬着自己的脚和手指，虽然只是一个新生儿天性地对自身物理存在的确定，但这种行为的极其相似和带有罪恶感的标题的结合，实际上却转化成了对我们生理载体必然逝去的提醒。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" alt="" hspace="0" src="http://arts.tom.com/images/piclib/2006111701/image09.jpg" border="0"/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">10ms&sup1;《10米／秒》1994</div><br/><p>　　在作品“10m s-1”(1994)里，戈登使用了源于第一次世界大战的医学胶片的元素。在片中，晃眼一看，有一个看起来受过体操训练的男人，随着情节的进展，他的躯体不断地痉挛抽搐，每一次试图站立起来都以失败告终。到这时观众才开始意识到这个男人也许是一个外伤致残的受害者。通过放慢或者循环电影原版来增加悬念，戈登想要论证的是，我们的感知所呈现出的方式其情形是潜在固定的。对内容的抽离，改变了电影的含义，观众被设定在了成为偷窥者的可怜处境。本片名来源于一个物体在地心引力的作用下坠落的速度，比如一个躯体正常落下的速度。</p></td></tr></tbody></table><table cellspacing="0" cellpadding="0" width="580" align="center" border="0"><tbody><tr><td align="center"><h1 class="text"><strong>Damien Hirst 达明安·赫斯特</strong><br/></h1></td></tr><tr><td class="list"><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"></div><p style="TEXT-INDENT: 2em;">生于1965年6月7日布里斯托，是YBA里面的主要代表人物。他主导了90年代的英国艺术发展并享有很高的国际声誉。赫斯特在1986年9月就读于伦敦哥德史密斯学院(Goldsmiths College)。1995年获得英国当代艺术大奖特纳奖。<br/>　　赫斯特对于生物有机体的有限性十分感兴趣。他把动物的尸体浸泡在甲醛溶液里的系列作品Natural History(自然历史)有着极高的知名度。他的标志性作品就是The Physical Impossibility of Death In the Mind Of Someone Living《生者对死者无动于衷》， 一条用甲醛保存在玻璃柜里面的18英尺长的虎鲨。这件作品在2004年进行销售，其价格之高让赫斯特在作品价格最高的在世艺术家中排名第二。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" height="408" alt="" hspace="0" src="http://arts.tom.com/img/assets/200611/061116151356yzydz3.jpg" width="516" border="0"/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">The acquired Inability to Escape《对逃亡的后天无能》1992</div><br/><p>　　赫斯特在作品里还频繁地使用日常素材，这可以在作品“对逃亡的后天无能”(The Acquired Inability to Escape)里看出来。一个人造环境里，光滑的具有设计感的现代玻璃窗认真地提醒我们这是一个玻璃缸，或者动物圈养场。赫斯特所展示的是，尽管在对逃避现实进行彻底尝试，但试图想要摆脱这种白领阶层的存在圈套是不可能的。典型的办公风格元素作为人类出席过的痕迹，同样也暗示着，在一个贫瘠和人造的环境里，生命不能被减少至仅仅具有功能性。</p><p><table cellspacing="0" cellpadding="0" width="580" align="center" border="0"><tbody><tr><td align="center"><h1 class="text"><strong>Sarah Lucas 莎拉·卢卡斯</strong><br/></h1></td></tr><tr><td class="list"><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"></div><p style="TEXT-INDENT: 2em;">莎拉1962年生于伦敦，1984年7月进入伦敦哥德史密斯学院。卢卡斯的作品主要集中于对性别的陈述。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" height="98" alt="" hspace="0" src="http://arts.tom.com/img/assets/200611/061116170522image13.jpg" width="424" border="0"/></div></td></tr><tr><td>吃香蕉 神性 一杯茶 女短裤 煎蛋</td></tr></tbody></table><br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" height="103" alt="" hspace="0" src="http://arts.tom.com/img/assets/200611/061116170552image14.jpg" width="414" border="0"/></div></td></tr><tr><td>人类厕所 好战的火 我和骷髅头 扛鲑鱼 夏天</td></tr></tbody></table><br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" height="96" alt="" hspace="0" src="http://arts.tom.com/img/assets/200611/061116170618image15.jpg" width="166" border="0"/></div></td></tr><tr><td>抽烟 重访人类厕所</td></tr></tbody></table><br/></p><p>　　她的作品也基于个人化的表达。“自我肖像”(Self-Portrait Portfolio)这个系列压缩了她在1990年到1998年间的很多标志性行为，其中频繁地使用食物或是日常用品，作为静态生活的隐喻。作品里的每一部分卢卡斯都以一个怪异滑稽的视点拨弄着观众的神经。她探讨关于性别的主题，除了使观众再次反思自身对性别角色的评判之外，也使英国式幽默里的不适部分显示了出来。卢卡斯的作品蕴涵着一种特别的自然清新的能量，带着对峙的感觉，就像她常常对男性姿态进行一种滑稽模仿，以其另类的幽默留给观众一种煽动性和荒谬。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" alt="" hspace="0" src="http://arts.tom.com/images/piclib/2006111701/image20.jpg" border="0"/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">Tits in Space 《空间里的奶头》 2000</div><br/><p>在“空间里的奶头”(Tits in Space, 2000)里，卢卡斯运用这种特别的幽默来批判一种乐观消费主义文化。 在这个作品里，镶嵌在面板上的照片墙纸，由成捆的香烟集成的女人乳房形状，看起来似乎飘浮着和黑色的背景在对抗。卢卡斯常常由香烟展开联想，并运用香烟作为一种性别的隐喻贯穿在作品中。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" height="197" alt="" hspace="0" src="http://arts.tom.com/img/assets/200611/061116170737image17.jpg" width="201" border="0"/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">Donkey-Kong-Diddle-Eye 2000</div><br/><p>卢卡斯的另一个主要方式，即通过雕塑扩展出自我陈述的范围。她常常使用一些日常普通的材料，比如霓虹灯，家庭用品和香烟。而且名称也是构成作品含义的一个重要组成部分，比如“Donkey-Kong-Diddle-Eye”(2000)，这个名字结合了一个电脑游戏的名称和一首英国童谣里的拟声句，整个作品就是通过进攻来声明它一种无忧的自由。作品中，一张沙发被分成了两部分，就像性别的分类一般，然后通过使用灯光来区分出两性。一双灯代表的是女性，用一根霓虹灯管代表男性。整个作品看起来就像是以贫乏的材料不经意间作成的组合，但实际上却是对当前性别和其划分的看法，换句话说，就是置于这沙发的反位置上。同样，这也是对普通大众媒介的用途的一种带有智慧的观测，或者说是待在家里和坐在沙发上的喜悦。</p></td></tr></tbody></table></p><table cellspacing="0" cellpadding="0" width="580" align="center" border="0"><tbody><tr><td align="center"><h1 class="text"><strong>Sam Taylor-Wood 山姆·泰勒－伍德</strong></h1></td></tr><tr><td class="list"><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"></div><p style="TEXT-INDENT: 2em;"><br/></p><p>　　山姆·泰勒－伍德1967年出生在伦敦。1987年到1990年就读于伦敦哥德史密斯学院。1997年她获得威尼斯双年展最有前途青年艺术家Illy Café奖，1998年获得著名的英国特纳大奖。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" height="60" alt="" hspace="0" src="http://arts.tom.com/img/assets/200611/061116170759image18.jpg" width="433" border="0"/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">Five Revolutionary Seconds VI《五个革命片刻 VI》 1996</div><br/><p>泰勒－伍德的创作擅长于摄影和电影。她作品所观察和探讨的，常常是日常生活中的变动时刻，片刻停滞的爆发性张力，一个谜般的情形不可避免地改变后可能产生的分裂瞬间。1995年她创作了一系列命名为“五个革命片刻”的摄影作品，利用某个时间的五个片刻，用全景相机旋转了360度拍摄而成。这些图像有效捕捉了在一个特别空间里的五个片刻。我们可以看见一些摆出某种姿势的孤独的角色们，这令人联想起电影场景。这一系列小型舞台剧组成了一个大型的整体，把谜似的内容留给观众去解释。确实，泰勒－伍德用视觉来叙事，这种方式是艺术家们自古就用的，但通过使用现代的表达手段，她把这种方式用在现在的情景之中。加上就像是对图像的补充说明的配音，因此可以更进一步地阅读这些图像。</p></td></tr></tbody></table></td></tr></tbody></table>

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<table cellspacing="0" cellpadding="0" width="580" align="center" border="0"><tbody><tr><td align="center"><h1 class="text"><strong>Gillian Wearing 吉莉安·韦英</strong><br/></h1></td></tr><tr><td class="list"><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"></div><p style="TEXT-INDENT: 2em;">生于1963年伯明翰，1990年毕业于伦敦哥德史密斯学院。吉莉安·韦英的很多作品都有着类似的关于发现人们生活细节的作品。她说过：“我总想寻找更能了解人们的方法，在这个过程当中，我也更多地了解我自己。”<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" height="112" hspace="0" src="http://arts.tom.com/img/assets/200611/061116150606yzydz1.jpg" width="176" border="0" alt=""/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">Sixty Minute Silence 《六十分钟的沉默》1996</div><br/><p>　　在60 Minutes Silence, (60分钟的沉默，1996)里面，吉莉安·韦英与公众共同合作的创作关系延伸到了一群看上去像是警察的男女之中。在这件作品里面，就正如任意一群小朋友或者是一帮即将出发的足球队员们一样，他们需要为一张集体合影而保持固定的姿势，直到60分钟的短片拍摄结束以后艺术家才告诉他们可以放松。刚开始的时候画面似乎是凝固的：纹丝不动、像是同一张快照的延续，或是时间的一段横截面。韦英认为，这是受到了早期摄影原理的影响，那时候的摄影对象都必须保持相当长一段时间的静止才能使影像能成功得到捕捉。但是各种轻微的动作，擦鼻子、双手交叉、眨眼、晃动、拨弄和调整头盔的位置等等，显示出这个静止的集体形象开始瓦解。事实上，当人们经历身体的耐性考验的时候，他们所承受的不适会随着时间的推移而不断增加。集体里面每一位成员的左顾右盼，都在他们自己和作品的观众之间建立了一种独特的沟通过程。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" height="129" hspace="0" src="http://arts.tom.com/img/assets/200611/061116150659yzydz2.jpg" width="185" border="0" alt=""/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">《署名说你希望他们说的，不要署名说别人希望你说的2张》1992-3</div><br/><p>　　作品Signs that say what you want them to say and not signs that say what someone else wants you to say (署名说你希望他们说的，不要署名说别人希望你说的，1992-93)是由一系列的照片组成，照片的主角都是韦英随意在大街上找的路人，韦英要求他们在一张白纸上随便写下一些东西。然后韦英就用相机把他们拿着那张纸的形象拍下来。有一些场面很让人惊讶：一位西装革履的年轻人在纸上写下了一句“我感到绝望”；一位身穿毛衣的男子拿着一张写下了“我写了东西，他们应该会给我一点什么”。有一篇文章赞扬Signs：“它们直接走向真实，重新表达了人们真正的一面。”很多人都似乎在为着“真实的回归”而欢呼喝彩，但同时不断地有人提醒着：“在后现代时期，世界上已经没有‘真实’的事物，艺术家们穷思竭力地创作出来的作品也只是能表现他们自己一些复杂的‘真实’，并不能作为反映外部世界的‘明镜’。”</p></td></tr></tbody></table>

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<table cellspacing="0" cellpadding="0" width="580" align="center" border="0"><tbody><tr><td align="center"><h1 class="text"><strong>Tracey Emin 翠西·艾敏</strong></h1><br/></td></tr><tr><td class="list"><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"></div><p style="TEXT-INDENT: 2em;">翠西·艾敏1963年生于伦敦。1991年在伦敦皇家艺术学院获得硕士学位。艾敏在1999年入围英国当代艺术大奖特纳奖，并作为英国代表艺术家选入2007年第五十二届威尼斯双年展。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" hspace="0" src="http://arts.tom.com/images/piclib/2006111701/image06.jpg" border="0" alt=""/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">There’s a lot of Money in Chairs 《椅子上有很多钱》1994</div><br/><p>　　翠西·艾敏是富有魄力以及想和观众更为直接沟通的艺术家群体的一分子。1994年她去美国旅行，纪录了对她个人传记的阅读，“对灵魂的探索”(Exploration of the Soul)。这个行为被纪录在了一件名为“遗址山谷”(Monument Valley)的作品里(1995年7月)，作品里展示了在著名的亚利桑那沙漠山谷，艺术家正坐在她祖母的扶椅上阅读的画面。这张椅子也被艾敏绣上了带有显著个人风格的图像。作为一次自我发现和解析的旅程，艾敏在美国旅行的过程中，举行了一个通过详尽叙述痛苦的个人回忆而达到治疗功效的仪式。后来，艾敏在这把椅子上缝上了她访问过的地名，并作为一件艺术品把它命名为“椅子上有很多钱”(There’s a lot of Money in Chairs,1994)。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" hspace="0" src="http://arts.tom.com/images/piclib/2006111701/image07.jpg" border="0" alt=""/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">The Simple Truth 《一个简单的事实》1995</div><br/><p>　　翠西·艾敏的作品使用的媒介极为广阔，包括绘画，录象，行为，摄影，版画复制，装置和刺绣等。她的作品常以自述性的文字体现出来，伴随着特殊的拼写错误，颠转的词语，或者是自相矛盾的声明。她的织物作品尤为典型：尽管她选择的是这样一种和女性技能相关联的媒介，却以不典型的现代女性行为明确指向对性别里对峙性因素的探讨。在“一个简单的事实”(the Simple Truth,1995)这个作品里，在美国国旗下面绣着文字声明“这儿待着”。这个作品也可以理解为对政治的批判——它使观众不得不提一个问题：美国人在哪里“这儿待着”？确实，在这里，艾敏制造了一个关于美式泛滥的陈述，尽管它试图全球多国移植它的文化。</p></td></tr></tbody></table>

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<table cellspacing="0" cellpadding="0" width="580" align="center" border="0"><tbody><tr><td align="center"><h1 class="text"><strong>Mona Hatoum 莫娜·哈透姆</strong></h1></td></tr><tr><td class="list"><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"></div><p style="TEXT-INDENT: 2em;">莫娜·哈透姆1952年出生在黎巴嫩贝鲁特。1995年哈透姆入围特纳奖候选人名单。 <br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" hspace="0" src="http://arts.tom.com/images/piclib/2006111701/image10.jpg" border="0" alt=""/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">Over My dead body《越过我的死亡身躯》1988-2002</div><br/><p>　　“越过我的死亡身躯”(Over my dead body, 1988-2002)是一个广告牌项目。画面上显示了艺术家以挑衅的姿态反对一个玩具士兵在她鼻子上的平衡。这个作品运用了典型的广告视觉语言，但作品本身表达的是对权力结构的批判。就概念来说，把女性身体描绘成为日常生活的战场，哈透姆审视的是男女平等的授权命题。哈透姆用作品表达了她关注的事件，比如身份，性，以及社会权力结构。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" hspace="0" src="http://arts.tom.com/images/piclib/2006111701/image11.jpg" border="0" alt=""/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">Incommunicado《隔离》1993</div><br/><p>　　“隔离”( Incommunicado, 1993)则卷入了观众的情感和感觉。她使用了一个我们通常会联想起温馨，支持和保护的一个物体——孩子的小床，并在其中增加一些并不家庭的元素，比如钢棍和铁丝。这个作品同样使我们想起哈透姆一向关注的命题：身份，压抑和对立。她否认了我们日见平常的物品的含义，而为之载入新的内容，因此哪怕是一张儿童的小床，也暗含了恐惧和危险。</p></td></tr></tbody></table><table cellspacing="0" cellpadding="0" width="580" align="center" border="0"><tbody><tr><td align="center"><h1 class="text"><strong>Gary Hume 加里·休姆</strong>
                                                <br/></h1></td></tr><tr><td class="list"><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"></div><p style="TEXT-INDENT: 2em;">加里·休姆1972年出生在英国肯特，1986年8月进入哥德史密斯学院。1996年他获得了特纳奖提名，1997年获哲尔伍德绘画奖。加里·休姆在伦敦和纽约居住和创作。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" hspace="0" src="http://arts.tom.com/images/piclib/2006111701/image12.jpg" border="0" alt=""/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">Outside Door Painting I《门外 绘画I》1998</div><br/><p>　　作品“门外”(Outside Door Painting，1998)，主要是为了一个在1998年伦敦Hayward画廊外的空间举行的展览而创作。后来，这一系列的其中两张代表英国出展1999年威尼斯双年展。这系列作品使用高光油漆，不过是在铝板上—一种增加了表层深度的材质媒介。回到了“门”的原作调色板上的哑粉色，艺术家持续用工业绘画使人想起真正医院的门的色彩。</p></td></tr></tbody></table>

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<table cellspacing="0" cellpadding="0" width="580" align="center" border="0"><tbody><tr><td align="center"><h1 class="text"><strong>Marc Quinn 马克·奎安</strong></h1></td></tr><tr><td class="list"><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"></div><p style="TEXT-INDENT: 2em;">生于1964年伦敦。1985年毕业于剑桥大学罗宾森学院。奎安的作品主要是以雕塑的方式来呈现人形，经常采用不寻常的材料。从概念来说，他的作品研究着形式和内容的关系，或说内在和外在的关系，尤其是关于身体。《自我肖像》(Self, 1991)是奎安最著名的作品之一，一个用他自己的血液冷冻后制作出来的他的头像。<br/></p><p>　　1999年开始，奎安开始创作一系列大理石雕塑，其内容常常是对生理缺陷的突出。他最著名的作品就是Alison Lapper Pregnant《怀孕的艾莉森·拉帕》，一座安放在Trafalgar Square(伦敦特拉法尔加广场)第四个柱基上的雕塑。艾莉森·拉帕是一位天生残疾的艺术家。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" height="419" hspace="0" src="http://arts.tom.com/img/assets/200611/061116152150yzydz5.jpg" width="560" border="0" alt=""/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">Innoscience 《天真科学》2004</div><br/><p>　　Innoscience《天真科学》表现的是艺术家的小儿子。整个作品由牛奶代替品和蜡制成。他在养育儿子时，因为婴儿对牛奶过敏，因此使用这种替奶品。小婴儿的睡姿看起来很是安静和舒适，却被安置在一个冰冷和生硬的画廊空间地板上。另外，通过使用替奶品 — 一种使他儿子能够存活的物质 — 来铸造成雕像，奎安表达的，是人类生命的脆弱，和我们对为了生存而不断发展的科学的依赖。</p></td></tr></tbody></table><table cellspacing="0" cellpadding="0" width="580" align="center" border="0"><tbody><tr><td align="center"><h1 class="text"><strong>Mark Wallinger 马克·渥林格</strong></h1></td></tr><tr><td class="list"><p style="TEXT-INDENT: 2em;"></p><p>　　马克·渥林格1959年出生于艾塞克斯郡切格威尔。1983年5月进入伦敦哥德史密斯学院。1995年他获得英国特纳大奖提名奖，2001年代表英国参加威尼斯双年展。<br/></p><p>　　 <table cellspacing="5" cellpadding="0" align="center" border="0"><tbody><tr><td><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"><img class="artspic" height="113" hspace="0" src="http://arts.tom.com/img/assets/200611/061116170816image19.jpg" width="148" border="0" alt=""/></div></td></tr></tbody></table></p><div align="center">Royal Ascot《皇家爱斯科赛马场》 1994</div><br/><p>皇家爱斯科，全世界最为著名和高级的赛马活动之一，每年都会举行，以其皇家的盛大气势和文化传统而闻名于世。在“皇家爱斯科赛马场”(Royal Ascot, 1994)这个作品里，渥林格表现了当这个赛事进行时，皇室的游行队列在他们那豪华的马车里，正是国歌响起的时候，礼仪被蕴涵在了其极端的精致中。渥林格拍摄了好几个不同的队列，然后用四台显示器循环播放。这样的重复揭露的是其高度仪式化的表面，以及皇室那机械化的姿态。尽管作品中主角们的配备有了改变，艺术家呈现的是风俗中的荒谬部分，和英式华丽是被高度构建出的本质。这件作品被安置在四个航空箱上展出，也是排成一个队列，作为对皇室队列的极致艺术化的一个讽刺。</p></td></tr></tbody></table>

辰昱姚

<p><table cellspacing="0" cellpadding="0" width="580" align="center" border="0"><tbody><tr><td align="center"><h1 class="text"><strong>余震 背景介绍</strong><br/><br/></h1></td></tr><tr><td class="list"><div align="center" style="DISPLAY: block; POSITION: relative;"></div><p style="TEXT-INDENT: 2em;">在过去的几年中，英国大使馆文化教育处已经在中国举办了两个内容前卫但却取得了巨大成功的雕塑展，这就是《亨利•摩尔雕塑展》和《亚洲土地》。正是通过将展览放置在一些通常与艺术“绝缘”的非传统的地点展出，或是让观众以一种独特的方式参与展览，这两个展览才成功地在艺术与观众之间、英国与中国之间建立起了特殊的关系。<br/></p><p>　　基于以上成功的经验，我们认为目前最重要的就是用另一个内容独特的展览来加强这种已经成功建立起来的关系。而这个展览应该定位在：不仅展示某一个艺术大师的作品，或是利用单独的媒介进行交流，而是全方位地展示英国当代艺术创作的鲜活面貌。<br/></p><p>　　英国现在被公认为世界上最重要的艺术中心之一。这种声誉是在近些年才得到的，而这主要得益于20世纪80年代以来英国涌现出了大批富有创造性的当代艺术作品，大批艺术家走出了欧洲以及美国现代主义的影响，创造出属于他们自己的艺术世界。这种鲜活的艺术独立性和蓬勃的艺术能量使得公众和媒体对艺术重新产生了兴趣，而这种兴趣在近些年变得越来越浓烈。事实证明，英国最流行的旅游胜地之一是泰特现代美术馆，一个致力于展示现当代艺术的博物馆。<br/></p><p>　　我们正在筹划中的新展览要展示的正是英国过去20多年里风起云涌的当代艺术作品。同时，它还将展示艺术能够令人感知激动、新奇与惊喜的非凡力量，以及艺术是怎样通过带给人们美感与思考的体验，从而将不同国家人们和文化紧密地联系起来。<br/></p><p>　　<b>展览内容</b><br/></p><p>　　展览作品的挑选工作由中国和英国两国策划人共同完成。中国的策划人小组在英国实地考察各博物馆、艺术收藏机构，以及艺术家的工作室中的艺术作品。策划的重点集中在那些最有力量和影响力的艺术作品上，还有那些能够给中国观众带来充沛灵感和审美体验的艺术作品。<br/></p><p>　　当代艺术一直以来都不易被理解，但是这个展览特别留意挑选精品参展，以保证参展艺术作品能够传达出极为强大的视觉语言，从而在观众中获得最直接的影响力，并使他们有所感悟和获得新知。同时，展览中也会通过详细的文字注解对艺术作品和艺术家的艺术观进行介绍和解释。英国泰特现代美术馆的策展人也将被邀请到中国进行公众讲座，进一步与观众进行沟通和交流。<br/></p><p>　　我们诚挚地相信这个展览一定会为中国观众带来持久的体验－不仅仅是对英国艺术的体验，还是对艺术本身的体验－体验到艺术如何以其独特的力量通过令人惊奇的方式和观众进行交流。<br/></p></td></tr></tbody></table></p>

胫骨

<p>好帖啊,去看不?</p><p></p>

辰昱姚

怎么去&nbsp; 好远.....