艺术是不可学的

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艺术是不可学的    孟克塔赛尔教授
“艺术是不可学习的。教与学当然也是种方法，它使人能系统而有条理地去了解其内在联系与差别。”
“并非简单堆积各种素材就算是学习，而需要在每个阶段种体验并自由感受。”peter jenny在他爱的著作《造型的感官基础》中这么写道。
虽然艺术无法学习只可经历，课程仍然是入门及达成“艺术体验”的恰当方法，相信老师能够传授最重点的要素绝对是一个谬误，教学本身从更大程度上说是在营造学习过程种的一种氛围。找到一个有趣的课程主题很容易，困难的是保持有力度的进程去挖掘及促进每个学生的个性。、
我的教学基本分为三个阶段。
第一阶段：学生要对主题内涵进行深入分析，研究可纳入画面的素材，绘制草稿及试验技术上的表现方式。
第二阶段：画面设定将继续发展变化并开始绘制一张图稿用以试验；同时技巧方面也会不断尝试，以显现各种不同类型的画面效果。
第三阶段：我们选择最有趣的附加物件添加进画面。并使之成系列。在集体和单独辅导中我们尝试共同优化画面设定，力求使之尽善尽美，并在绘画技法方面给予建议。学生自己在讨论种的参与也是我们整体进程的一部分。
为了使学生们通过学习达到更高的艺术水准，作为教师，必须在肯定学生们自身能力的前提下因材施教，启发并激励他们，客观评价气作品并最终获得满意的成果。


插画   孟克塔赛尔教授
为了达到艺术上一流的插画水平，就要找到独特并正确有效的途径，以自己的内容为脚本的创作一般都还顺利，困难的是要绘制一个陌生的任务，更糟糕的是，交稿期限就快要到了。
我们审视一片故事，一段文字，一个内容，或一种观念，。
我们无须每次都从零开始，造型艺术上有很多已知方法和技巧可以让我们追溯。然而，只有富创见性的效仿才是有意义 的，也只有在自身推动下个人风格才能渐渐形成。创造过程不仅仅是对主题的分析，同时也是融入作者经验、情绪、认知和实考后的艺术加工，没有形式风格上的不断提高就无法创作出最自然的插画。从观察实考到开始塑造的阶段就是风格化形成的过程。
我不断寻找对我来说通向主题独一无二的入口。
我绘制草稿并深思，阅读并研究，仔细理解主题和画面。

绘制大量的草图是起稿的决定性阶段——可惜这点被相当多学生低估了。只有通过对内容和形式孜孜不倦的寻觅，才能在小小画室种包括广阔的世界。
还有“偶然”——你永远不知道，哪个信息和影响会突然间撞击你的心灵。
结合图像素材和表现手法的游戏是自由的，个人风格源于实验，是创作过程；而反应是对已完成作品的批评眼光。
能激励插画艺术进步的有很多东西，比如：
通过设定性的智慧，通过艺术性的敏感
通过积极的创造力，通过对技法的掌握。

画面方案：  安方珂
安方珂在她的课堂上称之为“由画到符号”。迪特比格和我叫它“从观察到形体创作出的形体”活着
“从自然形体到抽象形体”
这句话的艺术其实就是对主题认识过程。通过绘制时的分析和对造型的检验，最终得到比原有意义的表现形式，在艺术的内涵上得到提高的视觉产物。学生们应当从最深层来思考主题，分析画面，对自己的创作不应流于表面，要使自己完全融入主题并由此获得一个直觉性的工作过程。
风格并非目的，它存在于艺术表达目的之上，但又在画面方案之下，超现实主义的画面方案在很多插画中占有中心地位，。这是一个观察者的视觉习惯和通过画面元素不同寻常的组合放上所造成的一种非现实梦幻式体系之间的游戏。而比例上的变化夸张、幻境错觉及潜意识带来的陌生化，同时产生刺激和魅力。


我对自己的画感到惊奇
那些多年后扔使我自己感到惊异的画，对我来说比其他作品更有意义。
这些画之间有事吗区别？我相信这取决于我内在的立场态度。在它的产生种，通常有的性格，比如缺乏感悟，不严密，画面缺少贯通感或是显得卖弄技巧。。。，当然还有更多，都回成为自我艺术发展和创造过程中的障碍物，例如：
1-例行公事：一再重复自己，一直追溯自己做的好的某个目标，不在深入探讨一副令自己感到无聊的图画，认为其呆板而无生命。
2-蓝本：因为有无法表达的东西，因此直接拷贝。
3-对摩登不具备批判性：不信任内在感受儿跟随潮流。
我怎样成功地完成一幅画，是怎样和我内心深处的情感变化过程相关联，而成为我自己的创作？它是从对主题的寻觅开始。起点就是一个成果，一项观测、一种思考、一份情绪、一段内容、一次领会、一场和艺术、和电影或照片的邂逅。决定一副属于自己的画的创作流程是这样的：达成流畅、由直觉而来并富有创造性的工作过程。思想、情感及画面形态上的契合，而像愉悦而引人入胜的旋律般流淌。
我在我的画室里一直不断尝试，知道没有创造兴致，作品要平静而有力度，行动上要跟随直觉而又具有批判性。有时候把整是那样一些我差不多快要放弃的画，又取得了令人惊喜的进展。人一旦相信自己，忘情地工作、
“破坏”和重建，他有就机会。
莫名其妙的联想、偶然的过程及拼贴技法都是很好的附加手段，他们能促成一个完善的作品。





不寻觅，而是发现 思托伊尔教授

每个在艺术专业上过课的人都知道，这儿的学生甚至是老师都经常因为缺乏自信而产生烦恼——多过于学校其他人的，比如说专业技术方面，嘴常见的是艺术上的发现和最初的自我定位混为一谈，这将导致内心的紧张不安，而且教师也习惯于通过某种无趣的笼统设定尝试着将学生往一条“正确”的路上引导，而不久将会显示出为这种狭隘的方法所付出的代价——多样性、生动性和个性化的磨灭。

通过很多激烈的讨论，通过不同教学方案的实验及发展，通过收集印象，包括在其他国家，我们的教和学都在认知上逐渐地发展成长，。
虽然人都有两只眼睛，丹大部分不过马虎且浅薄地使用了它们，这意味着对于视觉能力的挖掘绝对是必须完成的基础任务。敏锐的感受、发现内在及可见宝藏的能力，所有这些在生命种潜藏着尚未被发现的
部分都应该被唤醒。毕加索精神就完全体现出了这一点，由此在回答相关提问时，轻松简单得像孩子般说：我不寻觅，我发现。
——为此双眼当然得清醒地睁大。
我一直不理解，为什么老有这样的雪上，总是忙于绘画、平面设计和插画，却彻底没有好奇心。
对于人类，对于自身和陌生文化，对于自然界的形态，对于当代和过去的艺术都不好奇。这么着他们能从何处发现点什么？莫非是从完美无缺的学校所学的绘画技法？
是保持个性还是发掘一流技法更重要，公众挑剔的询问和比较，是对学校教学的一种必要促进和平衡力量。学生们在此拥有一个完美诱惑的巨大空间，他们可以任意行动在“自由”艺术和“实用”艺术之间的领域中，插画正是如此。

安方珂教授
安尚秀，一位韩国设计师，由此请我用一句话来表述在我教学中最重要的是什么。
虽然我觉得着其实无法用一句画总结，但我还是努力将其概括为：仔细观察，用心听取，时不时犯点错误。

艺术家个人要负起作为创作者的责任，而不是将所绘之物简单归于一个要去完成的任务。
我认为这样做是有意义的：
当你有能力将自己本身的兴趣、能力和才华置于更打的环境种时，通过图像参与某个社会的生活，获得意识，参与意识获得过程。，比如说：一篇童话永远不单只是一篇童话。在为其绘制插画前，我知道那是与这童话产地的历史、传说和语言根源息息相关的，它是如何被流传开来的？在从前有关它的作品中出现过什么？故事本身是如何因为政治和道德而越来越偏离本意的？怎样的模式一再重复于所有童话种？字里行间又隐藏着什么心理密码？尽管这些分析看起来非常理论化，但它通常能给人一个进入丰富图画世界的有益启示。然后使用天赋来总结这些知识和技法，并最终在意识层面进行交融。毕竟世界上没有所谓的“理论性”的画。作为学生入门的引导者，我必须准备好观察和倾听每个学生所产生的问题，并思考如何通过他自身的背景来找最合适他的解决办法，我的经验是：一旦我提出正确的问题，死结就会自己解开。

来源:德国新媒体插画教程:Ⅰ:来自德国的插画—孟克塔赛尔教授和学生们

亢蒙

题目和内容其实已经形成了悖论。